六本木ヒルズのそばで働く社長のブログ

またもや1週間振りの更新となってしまいました（えっ、もういいって？）。失礼いたしました。

という間に、世界的な映画の巨匠がお亡くなりになりました。イングマール・ベルイマン…スウェーデンを代表する、というか、スウェーデンの映画監督といっても、ほとんどこの人くらいしか著名ではないのですが…。

彼の作品を初めて観たのは、もう二十数年前になります。最初が「沈黙」でしたか…。一般的に言われるように、ある種の“難解さ”はありますが、何というか、（ゴダールを観るときもそうですが）“心を素”にすれば、何の抵抗もなく楽しめます。

名前だけは高校生の頃から知っていたのですが、実際に観たのは、上京してからでした。映画青年だった当時、公私共に、ベルイマンの相方を務めたリブ・ウルマンの、“大人の女”的な妖艶な魅力に、それこそイチコロでした。

代表作であり、私自身も観ましたが、「第七の封印」や「野いちご」、「処女の泉」などなど、有名な作品は多々ありますが、個人的には、やはり、「沈黙」での夜行列車のシーンが一番印象深かったと思います。?

ベルイマンのことを書くとキリがないので止めておきますが、フェリーニやアンジェイ・ワイダ、アンドレイ・タルコフスキー、小津安二郎などと並ぶ、世界的な巨匠であることに異論を唱える人はいないと思います。

当初、テレビに対して相反するものという考えで対応してきた映画は、映像ビジネスの新しい流れによって、逆に、テレビと手を組まざるを得なくなったのです。

そして、組むべき相手は、その後、テレビだけでなく、ビデオやDVD、そして、昨今の映像配信といった新しいメディアの登場によって、どんどん増えていったのでした。

こうして、映画のビジネス上の位置付けや制作方法などは、そうした周囲のメディアと補完し合いながら、現在も続いているのです。

さて、こうした映画の歴史を振り返ったあと周囲を見渡すと、似たようなケースが実に多いことに気が付くと思います。

例えばテレビゲーム…。二十数年前、家庭用のテレビゲームが各社から登場してきました。が、最後に笑ったのは、最後発の任天堂でした。

競合他社は、ゲーム機のハードで利益を上げようと考えましたが、任天堂は、ハードで儲けなくてもいい、ソフトで儲けるんだ、という信念の下、スペック的には当時の最右翼であるにも拘わらず低価格で発売したのです。

こうして生まれた「ファミリーコンピュータ」は爆発的にヒットし、面白いゲームソフトがあれば、ハードは嫌でも（しかも、低価格のため）売れるということが証明されたのでした。

しかし、このあたりも、何か、映画の黎明期を彷彿とさせるものがあります。

ご存知のように、映画鑑賞機はエジソンによって発明されました。が、彼の「キネトスコープ」は、人一人が覗き穴から見るというもので、当然、フィルムの交換なども、各機械ごとに行う必要がありました。つまり彼は、一人しか観られないほうが、その分、機械の販売台数が増えるだろうと考えたのです。

エジソンの「キネトスコープ」　出展：Wikipedia
ところが、数年ののちに登場した、フランスのリュミエール兄弟は、大きなスクリーンに巨大な映像を映し出し、一度の大勢の人々に鑑賞してもらう「シネマトグラフ」という方法を採りました。これによって、映画は、その後の歴史を開拓していくことができたのでした。

こうして映画の発明者であるエジソンは、“映画の父”と呼ばれることなく、その称号は、リュミエール兄弟に譲らざるを得なかったのでした。

そして現代。「You Tube」のような動画投稿サイト（共有サイト）などの勃興により、現在のメディア業界は、テレビだけでなく、CMやプロモーション、マーケティング、知的財産のあり方まで、改めて、その立場を問い直されています。

人間の思惑は、今まで見てきたように、既得権益を後生大事に守ろうとしたり、あるいは、過度の反応、もしくは表層のみしか見られないというような、さまざまな理由で、簡単に時代の流れを読み間違えてきました。

インターネットの登場によって歴史的なパラダイムシフトが起こっている現在、私たちは、これからの世の中の流れを、きちんと予測していくことができるでしょうか？

さて、“人間の思惑”…この場合、テレビにない特性を打ち出すことで、映画の優位性を誇示しようということですが、時代の流れは、そう単純ではありませんでした。

映画が先細りになるにつれて、映画そのものが、テレビの助けを借りなくてはいけなくなっていったのです。

今では一般的ですが、映画というものは、“興行”という位置付けから、テレビや本（ペーパーバック）など、複数のメディアと無縁ではいられなくなってしまったのです。

まず映画館で公開（ロードショー）されたものは、次にテレビで再放送されるということが、ごくごく当たり前になっていくと、今度は逆に、映画のワイドスクリーン化は、テレビで再放送する際、扱いづらいものになってしまったのです。

テレビのアスペクト費は1：1.33ですが、映画は、1：2.0以上のものが多数あり、そうなると、テレビの転地に合わせると左右の映像がカットされるし、左右を合わせると、天地には大きな無駄が出てしまいます。

※時には、左右に散った人物の台詞に合わせ、映像がパン（横移動）するという苦肉の策も現れましたが…

※手間は、何もテレビでの再放送だけでなく、撮影の際や、映画館で公開する際にも発生していました。横長の映像を少しでも効率よく撮影し、また上映するために、「アナモフィックレンズ」という、歪曲レンズを使い、撮影時には縦長に歪曲させて収め、上映時にはレンズの向きを90度変えて、元の横長に戻して映写するということも使われていたのでした。映画館で、本編上映直前に、ニュース映画やコマーシャルなどが終わったあと、アナモフィックレンズに替えるときのシルエットがスクリーンに映し出されるのをご覧になった方も多いと思います

「日本一のホラ吹き男」（1964年）　（C）Toho co., Ltd.

いずれにしても、テレビに対抗するために発生したワイドスクリーン化が、逆にテレビでの再放送の妨げになってしまったことは否めません。

こうして、映画のワイドスクリーン化は次第に沈静化し、少しずつテレビの画角に近づいていくことになります。

話が脱線しましたが、かくの如し、ワイドスクリーン化は、洋の東西を問わず、一斉を風靡したのでした。一時は、“70mm”などという映画も多数制作されましたが、子供の頃見た「猿の惑星」など、“何がななじゅうみりなの？”という感じで、不思議に思ったこともありました。

※70mmとは、フィルムの幅のことで、それまでの映画や一般家庭で使うカメラのフィルムサイズは35mm。ですので、単純に、2倍の幅のポジフィルムに焼き付けることになります（実際には、65mmの両側に、サウンドトラックを設けるなど、厳密に映像部の幅が70mmあったわけではありませんが）

70mmとひと口にいっても、『オクラホマ！』で知られる「ＴＯＤＤ ＡＯ方式（1×2.20）」や「ＭＧＭカメラ65方式（1：2.72）」など数種類ありますが、要は、デジタルカメラの画素数のように、記録面積が大きいと、それだけ情報量もおおくなるため、大画面でもきれいな映像を楽しめる、というわけです。

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「80日間世界一周」　(C)United Artist

※「スーパーテクニラマ方式（1×2.20）」に至っては、35mmフィルムを水平に走行させて2コマで1コマを撮影し、それを70mmの上映用のフィルムに焼き付けるといったことまで行いました

こうなると、テレビのアスペクト比（1：1.33）に比べると画面自体大きいし、画面の幅も広いので、確かに映画館で観たときの迫力は増します。

ところが、映画という産業は、戦後急速に構造的変化に耐えられなくなり、勢いを失っていきます。日本では、昭和33年がピークだと言われますが、アメリカでは、戦後そうそうには、映画は斜陽産業（このことばの裏側にも、いろいろな意味はありますが。実際、現在もアメリカでは、多数の映画が制作されていますし）となっていくのでした。

ということで、このあたりから、人間の思惑が、技術や時代の流れに対して、いかに的外れなものであるのかが露呈してくるのでした。

さて今日は、ワイドスクリーン化の弊害について書こうと思ったのですが、ちょっとだけ横道にそれたいと思います。

このワイドスクリーン、代表的なものとしては20世紀FOX社の登録商標である「シネマスコープ」…略して“シネスコ”と呼ばれる方式が有名でしたが、日本でも、ほんの少し遅れて、ワイドスクリーン化が押し寄せてきました。

しかし、映画監督の中では、最後の最後まで、ワイドスクリーン化に背を向けた人たちがいました。

その代表的な監督が、かの小津安二郎、その人でした。

偏執狂的なまでに構図に拘る小津にしてみれば、画面のアスペクト比（縦横比）が変わることなど、決して受け入れられるものではなかったのでしょう。

「東京物語」では、老夫婦である、笠智衆と東山千栄子の背中が完全に相似形になるように、笠の背中に座布団（かな？）を入れるくらいの、また、「秋日和」では、若いカップル（佐田啓二と司葉子）がラーメン屋でラーメンを食べるシーンで、カウンターに並んで食べさせ、相似形を形作るなど、異様とも思えるほど構図に拘った人…。

※どこのカップルが、テーブル席が空いているのに、わざわざカウンターで並んで食べるのか！？

一方、かなり早くからワイドスクリーンに取り組み、自ら積極的に演出を変えていった監督に、黒澤明がいます。

特に「天国と地獄」の前半の、一環して室内だけで撮影されたシーンの数々は、複数の人物の動きやカメラ（この作品でも、黒澤得意のマルチカメラで撮影されていますが）には、“これぞワイドスクリーンの演出”と喝采を送りたくなるほどです。